Цикл лекций Ирины Кулик «Несимметричные подобия»
Марсель Дюшан — Сальвадор Дали. Апология музея
Часть 1
Лекция сопровождается тифлокомментарием
и переводом на жестовый язык.
Идеей этого цикла лекций я обязана двум выставкам — «Все в настоящем должно быть преображено. Мэтью Барни и Йозеф Бойс», которую я видела в Музее Пегги Гуггенхайм в Венеции в 2007 году, и «Луиз Буржуа — Ханс Беллмер. Удвоение пола» (2010), на которой я побывала в Gemeentemuseum в Гааге. Обе выставки, строившиеся на неожиданном сопоставлении двух художников, позволяли не столько оценить их сходство (в первом случае — заведомо парадоксальное, во втором — оправданное общей традицией сюрреализма), сколько открыть новые аспекты в, казалось бы, хорошо известном творчестве каждого из них.
Каждая из лекций цикла — нечто вроде виртуального кураторского проекта, сводящего на одном поле двух художников, отношения между которыми всякий раз выстраиваются по-разному — это может быть явный антагонизм и тайное союзничество, преемничество, стилизация, пародирование, оспаривание, сходство-оговорка и внутренний диалог. Главное, чтобы это столкновение позволило открыть новые аспекты в искусстве каждого из героев «Несимметричных подобий».
Ирина Кулик (р. 1970) — арт-критик, культуролог, кандидат наук, преподаватель Института проблем современного искусства, автор многочисленных публикаций, посвященных современному искусству, кино и современной музыке.
Перевод на жестовый язык: Влад Колесников.
Тифлокомментарий читает Андрей Черников.
Лекция Ирины Кулик из цикла «Несимметричные подобия» в Музее «Гараж». Альберто Джакометти — Джордж Сигал
Альберто Джакометти (1901–1966) — швейцарский скульптор, один из главных представителей европейского модернизма. Особую известность принесли ему бронзовые изображения вытянутых человеческих фигур, созданные после Второй мировой войны. Раннее творчество Джакометти прошло под влиянием кубизма, а в 1920-е годы — сюрреализма бретоновского круга, в который входили Макс Эрнст, Сальвадор Дали, Мэн Рэй и др. Помимо скульптуры оставил живописное и графическое наследие.
Джордж Сигал (1924–2000) — сын еврейских эмигрантов в Нью-Йорке, начинал как живописец, но с 1960-х обращается к скульптуре. Сигал одним из первых использовал гипс в качестве основного материала, создавая серии фигур в человеческий рост и вписывая их в публичные пространства. Подобные скульптурные композиции могли быть ярко выкрашены под влиянием поп-арта либо сохраняли естественный бледный оттенок, сближавший их с традицией минимализма. Сигал дружил с Джоном Кейджем, Алланом Капроу и другими теоретиками и практиками, определившими развитие современного искусства.
Лекция Ирины Кулик в Музее «Гараж». Энди Уорхол. Поп-арт как vanitas.
Энди Уорхол, (1928-1987) — один из крупнейших художников современности, писатель, продюсер, режиссер. Уорхол стал воплощением ренессансной идеи «homo universale» в эпоху массовой культуры. Один из основателей поп-арта как направления в современном искусстве. Его работы стали олицетворением триумфа и коммерческого успеха американского поп-арта. О его жизни снято несколько художественных и документальных фильмов.
Курт Швиттерс (1887-1948) — один из представителей европейского авангарда. Он работал в разных направлениях, экспериментируя с экспрессионизмом, сюрреализмом и дадаизмом. Используя неблагородный материал — отходы, Швиттерс создавал картины, коллажи, скульптуры, мастерски сочетая форму и цвет. Курт Швиттерс по праву считается одним из отцов и идейных вдохновителей для целого поколения американских авангардистов, в первом ряду которых стоит и Роберт Раушенберг (1925-2008).
Газета «Нью-Йорк Таймс» присвоила Раушенбергу звание «титана американского искусства», и действительно его можно назвать атлантом, на котором держится американский поп-арт. Используя художественную форму, придуманную еще в начале XX века в Европе, Раушенберг наполняет её актуальными и социально значимыми темами Нового Света.
Швиттерс, а затем Раушенберг разрабатывают не просто новый принцип работы с нетрадиционным материалом, но целый способ запечатления истории через мусор, который является символом времени.
Творчество эксцентричной японской художницы Яой Кусамы (р. 1929) носит автобиографический характер: она вдохновляется галлюцинациями и фантазиями. В каждой своей работе она с одержимостью повторяет одни и те же мотивы — минималистичные психоделические узоры и сексуальные знаки, рассказывающие зрителю о ее личных переживаниях и истории ее психической болезни.
Отвернувшись от традиционализма и отказавшись от создания картин в их классическом понимании, француз Даниэль Бюрен (р. 1938) создал свою собственную эстетическую форму, с которой он успешно работает с 1966 года. На первый взгляд кажется, что работы Бюрена не отличаются разнообразием, но каждая из них напрямую зависит от окружающей среды. Художник делает пространство частью произведения, заставляя глаз зрителя не просто смотреть на работу, но вписывать ее в определенный пространственный контекст.
Каждый из художников создал своего рода товарный знак, который они снова и снова используют в своих работах. При этом им удается избегать тривиального копирования, не просто повторяя основной мотив, но заново осмысливая его в каждом новом произведении.
Цикл лекций: Несимметричные подобия. Ирина Кулик
Джексон Поллок — Ив Кляйн. Живопись действия — живопись в действии.
Идеей этого цикла лекций я обязана двум выставкам — «Все в настоящем должно быть преображено. Мэтью Барни и Йозеф Бойс», которую я видела в Музее Пегги Гуггенхайм в Венеции в 2007 году, и «Луиз Буржуа — Ханс Беллмер. Удвоение пола» (2010), на которой я побывала в Gemeentemuseum в Гааге. Обе выставки, строившиеся на неожиданном сопоставлении двух художников, позволяли не столько оценить их сходство (в первом случае — заведомо парадоксальное, во втором — оправданное общей традицией сюрреализма), сколько открыть новые аспекты в, казалось бы, хорошо известном творчестве каждого из них.
Каждая из лекций цикла — нечто вроде виртуального кураторского проекта, сводящего на одном поле двух художников, отношения между которыми всякий раз выстраиваются по-разному — это может быть явный антагонизм и тайное союзничество, преемничество, стилизация, пародирование, оспаривание, сходство-оговорка и внутренний диалог. Главное, чтобы это столкновение позволило открыть новые аспекты в искусстве каждого из героев «Несимметричных подобий».
Ирина Кулик (р. 1970) — арт-критик, культуролог, кандидат наук, преподаватель Института проблем современного искусства, автор многочисленных публикаций, посвященных современному искусству, кино и современной музыке.
Лекция Ирины Кулик посвящена двум художницам, исследовавшим тему идентичности и гендера посредством фотографии.
Клод Каун — псевдоним французской художницы, скульптора и писательницы Люси Швоб, одной из первых начавшей изучать гендерные роли и их репрезентацию. Наибольшую известность приобрели ее фотографические автопортреты, в которых художница — задолго до знаменитых серий Синди Шерман — перевоплощалась в различные, в том числе мужские, образы, используя грим, костюмы и реквизит. Познакомившись в 1930-е годы с Андре Бретоном, Каон участвовала в нескольких выставках сюрреалистов в Лондоне и Париже. Ее литературные эссе и художественные тексты также связаны с темой идентичности и поэтикой сюрреализма. В 2007 году Дэвид Боуи, который сравнивал Каон с Ман Рэем и Мерет Оппенгейм, организовал мультимедийную выставку ее работ в Нью-Йорке.
Франческа Вудман — американский фотограф, покончившая с собой в 22 года. Большинство сохранившихся работ Вудман — черно-белые фотографии камерного формата, изображающие ее саму или других женщин в различных образах. Кроме того, она записывала короткие ролики, снимая на видео собственное лицо и тело, и была автором нескольких «книг художника». Творчество Вудман было оценено историками искусства и критиками лишь после ее смерти. Ее первые персональные выставки прошли в середине 1980-х, а за последнее десятилетие ретроспективы художницы состоялись в Испании, Италии, Нидерландах, США, Франции, Финляндии и Швеции.